Quasi un cerchio che si chiude, due concerti in apertura e chiusura del Jazzfest Berlin edizione 63 (29.10-1.11.2026) che portano sul grande palcoscenico della Haus der Berliner Festspiele Anthony Braxton con un nuovo settetto e Alexander von Schlippenbach a festeggiare i sessant’anni della Globe Unity Orchestra: per arrivare, disseminati nelle quattro giornate del festival berlinese, a splendenti quarantenni o non ancora trentenni – tra cui Alexander Hawkins, Mariá Portugal, Tomeka Reid, Camila Nebbia, Christian Lillinger, Immanuel Wilkins –, e passando per la generazione più matura, dal Chicago Underground Duo al trio Graewe/Jones/Drake e all’Otomo Yoshihide New Jazz Quintet.

Una visione d’insieme del jazz che amiamo, quasi un cerchio che si chiude, appunto, aprendo gli orizzonti su un passato che continua meravigliosamente a farsi presente, e su un presente che fa tesoro della lezione dei maestri.

È un cerchio che, apparentemente lontano dall’imponente manifestazione studentesca e oltre che ha (sur)riscaldato Berlino nella modaiola giornata di Halloween, mette bene in evidenza il senso comunitario del fare musica, con tutte le sue implicazioni sociali: e se “Dream Baby Dream” è un titolo più che mai azzeccato per l’onirico documentario realizzato l’anno scorso con musicisti, associazioni e abitanti del quartiere berlinese Moabit (“Community Week”), diventando il motto di Jazzfest Berlin 2026, le parole di apprezzamento e fiducia che Anthony Braxton rivolge durante le prove all’esemble di allievi del Jazz Institut Berlin con cui di lì a poco, venerdì 30 ottobre, si esibirà dopo alcuni giorni di workshop, suggellano un sogno di incontro tra generazioni e sensibilità che fa ben sperare nel futuro della musica, e non solo.

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Braxton, del resto, aveva già regalato al pubblico del festival una stupenda prova di quanto possa essere complesso e al tempo stesso aperto il suo agire musicale, con un nuovo settetto di fiati creato per l’occasione (James Fei, Anna Webber, Silke Eberhard ai sax, Fanny Méteier, Berlinde Deman, Matthew Bookert alle tube) a cimentarsi nella composizione 744, con partitura anche grafica. Set ‘lieve’ senza necessità di fragore, frammenti d’insieme che si susseguono l’un l’altro, crescendo che sanno contenersi, e un sapore contemporaneo, e caldo, in cui non c’è spazio per il superfluo, che ti cattura.

Ma con i 26 giovani studenti, alle prove e poi al concerto, vediamo Braxton in un contesto ancora più intimo, affabile ed entusiasta, per una rara esecuzione della composizione 151 (qui, come già nel settetto, dedicandosi principalmente alla direzione/conduzione, e alternandosi a James Fei): ed emoziona sentire come i giovani musicisti si muovono agevolmente e con divertimento tra scrittura ed improvvisazione, cogliendo appieno il senso di un incontro raro, con un grande maestro. Chapeau.

E Alexander von Schlippenbach? Grande piacere, durante l’artist talk prima del suo concerto, ascoltarlo mentre ricorda gli inizi della Globe Unity Orchestra – “il nostro primo concerto nel 1966 ai Berliner Jazztage fu fortemente osteggiato dalla critica, ma per noi fu un vero successo, eravamo stupefatti e in fibrillazione!” –, ma anche quando inquadra la ‘rivoluzione’ del free jazz in un contesto non solo o non tanto politico, quanto piuttosto musicale. “Già con Taylor, Coltrane e Rollins avevi questa tendenza a ‘sciogliere’ le forme tradizionali, e una nuova concezione dell’armonia… questo processo veniva dalla musica stessa, nasceva dall’interno. Certo, a dire il vero all’inizio non era una ‘buona’ musica, era come assistere ad un parto doloroso, la nascita di un nuovo linguaggio aggressivo e rumoroso, ma poi la musica ha trovato la sua strada.”

Una strada ben riconoscibile anche nel concerto per i sessant’anni della Globe Unity Orchestra, in cui rivedere membri di lunga data come George Lewis ed Evan Parker, ma anche ‘nuove’ leve come il trombonista Gerhard Gschlößl, Antonio Borghini al contrabbasso, o Magnus Narvesen alla batteria, oltre ad Aki Takase (per la prima volta, pare, ammessa a questo consesso in veste di musicista), al piano assieme al marito ma anche, alternandosi con questo, alla direzione/conduzione del collettivo, in una vera e propria festa in in cui si stagliano nitidi, sullo sfondo di un’improvvisazione totale, gli interventi solistici dei vari membri, primo fra tutti Parker.

Tra apertura e chiusura, si diceva, la generazione di mezzo e di chi cavalca le scene da parecchi decenni: come ad esempio Otomo Yoshihide, che con il suo New Jazz Quintet porta a Berlino uno dei concerti memorabili del festival. Ruvidissimo ma con qualche venatura bluesy, Yoshihide inconfondibile alla chitarra elettrica tra distorsione, pedali e squarci improvvisi, i solidi Mitzutani Hiroaki al contrabbasso – che con il leader collabora dai primi anni 2000 – e alla batteria Toshigaki Yasuhiro, già membro con Yoshihide della band noise rock Ground Zero. E poi, Ruike Shinpei ad una tromba impavida, che si alterna nei soli al sax veemente, ma anche lirico, di Chris Pitsiokos, dalla scena improvvisativa newyorchese ora di stanza a Berlino. Momentum, energia, calore, interplay: e che sia noise, noise rock, o jazz, in definitiva poco importa.

Non ha mancato di entusiasmare il pubblico del festival, peraltro, il Chicago Underground Duo, in un set in cui, accanto alla tromba e alla cornetta di Mazurek, che come sempre sa essere nidito e slabbrato, ieratico e intimo al tempo stesso – si è potuta sperimentare tutta l’energia propulsiva e la capacità di dettare la direzione, come pure di assecondarla, di Chad Taylor, compagno ideale di un percorso che continua solidamente da ben trent’anni.

E infine – per quel che può valere il dato anagrafico in un contesto, come il jazz e la musica di ricerca, in cui affinità e comunanza di intenti travalicano le differenze di età, oltre che quelle culturali e sociali – i poco più che quarantenni della scena jazz internazionale, che sempre più sembrano ampliare le proprie pratiche alla dimensione di grande collettivoalla dimensione di ampio collettivo e alla direzione.

Se n’è avuta una bella conferma con Alexander Hawkins e il suo nuovo progetto in prima europea, “Willow Music”, per un ensemble di 11 elementi, che il pianista britannico, fine compositore, dirige con agio e da primus inter pares, dando ampio spazio a interventi solistici, tra cui anche quello del notevole Marco Colonna, e stratificando sapientemente, anche con gesti a metà tra Conduction e Soundpainting, strumenti e contributi in un insieme organico, vibrante, inquieto, a tratti rarefatto. L’estetica che sorregge il pianismo di Hawkins, per come lo conosciamo, sembra qui felicemente riverberarsi in una dimensione che ricorda la big band, nutrendo il gruppo e trovando in esso nuova linfa vitale.

Intento non pienamente realizzato, nell’opinione di chi scrive, quello di Christian Lillinger alla direzione di “Open Form for Society II”, tentetto per “una forma di musica da camera” – nelle parole dello stesso leader -  “radicalmente condensata” , che, pur contando su validi sodali tra cui Petter Eldth e Kaja Draksler, e pur con una strumentazione potenzialmente interessante (5 tra piani e tastiere, 3 bassi, vibrafono e batteria, oltre all’elettronica), ci è risultata forse troppo angolare, e decisamente tiepida.

Per contro, godibile e raffinata la proposta di Tomeka Reid, già nota al festival ma qui per la prima volta con il quartetto di cui è titolare. Perché se con il suo disco più recente dance! skip! hop! (Out of Your Head Records, 2026), qui presentato, Reid si sposta verso un territorio più ‘cantabile’ rispetto a suoi precedenti lavori, questo non è certamente un difetto: temi riconoscibili che passano dall’uno all’altro membro del quartetto – con Mary Halvorson, Tomas Fujiwara, e Jason Roebke – offrendo il punto di partenza per improvvisazioni avventurose, affiatamento e gioioso senso di ‘famiglia’ (come aveva raccontato la stessa Reid durante un Artist Talk), temperie sonora cangiante dal lieve al deciso, e da assonanze contemporanee a echi folk.

Camila Nebbia a capitanare un “Large Ensemble”, Mariá Portugal col suo nuovo Erosão Percussion Trio – due tra le molte musiciste ospitate anche quest’anno a Berlino –, e poi ancora Amir Elsaffar, Ches Smith con Clone Row, (Exit) Knarr di Ingebrigt Håker Flaten: questi alcuni dei concerti che a malincuore non abbiamo potuto seguire nella felice frenesia del fitto programma berlinese e dei suoi 24 concerti, ma che ugualmente danno la misura delle scelte di spessore di Jazzfest Berlin. Uno dei luoghi imprescindibili della scena europea e internazionale, per la direzione artistica di Nadin Deventer, dove cogliere la direzione del jazz oggi, senza mai dimenticare la lezione dell’avanguardia.